Paris Fashion Week H/W 2023: Chanel bis Miu Miu

Das Beste der Pariser Modewoche Herbst/Winter 2023 in unserem fortlaufenden Überblick, von einer Anspielung auf die Kamelienblüte bei Chanel bis hin zu Miuccia Pradas „Looks“ bei Miu Miu

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Die Paris Fashion Week H/W 2023 fand diese Woche in der Stadt statt und markierte mit ihrer Ankunft das Ende einer einmonatigen Modetour, die zuvor in New York, London und zuletzt in Mailand Halt gemacht hatte.

Seit langem ein Synonym für Stil und Handwerk – Paris ist die Heimat der historischen Ateliers berühmter Maisons wie Dior, Saint Laurent und Givenchy – die Stadt war Schauplatz von Shows sowohl etablierter Häuser als auch aufstrebender Namen aus dem In- und Ausland.

Abgerundet wurde diese Saison durch Designer-Debüts (Ann Demeulemeester und Nina Ricci haben beide mit Ludovic de Saint Sernin bzw. Harris Reed neue Kreativdirektoren), Runway-Rückkehrer (Alexander McQueen kehrte nach Paris zurück, nachdem er in den letzten Saisons in London und New York gezeigt hatte; Paco Rabanne). und Y/Project kehrten ebenfalls in die Damenmode-Saison zurück) und aufstrebende Namen wie Vaquera, Ester Manas und Weinsanto, die der Woche neue Energie verliehen.

Daneben gab es neue Kollektionen aus der breiten Palette von Designern und Häusern, die die Pariser Modewoche schon lange als ihr Zuhause bezeichnen – darunter Louis Vuitton, Dior, Chanel, Saint Laurent, Loewe, Hermès, Valentino, Givenchy und Miu Miu.

Hier das Beste der Paris Fashion Week Herbst/Winter 2023.

Y/Projekt H/W 2023

Zum Abschluss der Pariser Modewoche für diese Saison sagte der belgische Designer Glenn Martens – der Anfang des Monats in Mailand eine sexuell befreite Kollektion für Diesel zeigte –, dass seine neueste Y/Project-Kollektion von George Frideric Händels Lascia ch'io pianga inspiriert worden sei, die er hatte während seiner gesamten Entstehung zugehört. Insbesondere wählte er die Zeile „Lass mich über mein grausames Schicksal weinen und nach Freiheit seufzen“ aus der Chorarie aus, die für ihn nicht nur Schmerz, sondern auch „Gelassenheit und Feierlichkeit“ einfing – Worte, die der Designer wählte, um sie zu beschreiben Sammlung selbst, die die Emotionen des Soundtracks der Sammlung widerspiegelte (auf Englisch bedeutet „Lascia ch'io pianga“ „Lass mich weinen“). „Wir haben beschlossen, etwas Schönes zu machen“, sagte der Designer nach der Show und beschrieb seinen anhaltenden Fokus auf Technik; Hier zeigte sich das in aufwendig geschichteten Jeansjacken (die wie eine Ziehharmonika aussahen), durchsichtigen Gewändern, über denen ausgefranste Jeans mit der Eleganz traditioneller Stickereien spinnweben, und aufwendigen Haken- und Ösenverschlüssen. Natürlich blieben Elemente der Subversion – für die Martens bekannt ist – bestehen, insbesondere in der Anspielung auf Lars Von Triers Erotik-Horrorfilm „Antichrist“ aus dem Jahr 2009 (Lascia ch'io pianga läuft über den Prolog des Films) in zerschnittenen pornografischen Screenshots, die durchgehend Kleidungsstücke schmückten.

Miu Miu H/W 2023

Miuccia Prada sagte, dass es in ihrer neuesten Miu Miu-Kollektion um „Arten des Aussehens“ ginge. „Ich interessiere mich immer dafür, wie Menschen Dinge betrachten, welche Überlegungen sie anstellen … warum Menschen sich zu bestimmten Ideen hingezogen fühlen, warum andere sie abstoßen“, sagte der Designer der Kollektion, die mit einer hochkarätigen Besetzung präsentiert wurde, zu der auch die Musikerin Ethel Cain und Zaya gehörten Wade (Tochter von Dwyane Wade und Gabrielle Union bei ihrem Laufstegdebüt) und die Schauspielerinnen Mia Goth und Emma Corrin. Letzterer lief in einem Paar Kristallhöschen und einem beigen Rollkragenpullover über den Laufsteg – eine erhöhte Plattform „zur Erleichterung der Beobachtung“, die durch den Raum des Palais d'Iéna verlief – und legte so etwas wie einen Entwurf für die Kollektion vor, die das Banale (Mergel) kombinierte graue Hoodies, Strickpullover, klassische Mäntel) mit einem Hauch von Glamour und Subversion. Wie zum Beispiel die Miu Miu-Markenstrümpfe, die über den Bund mittellanger Röcke hinausragten (bei manchen Looks wurden Strickjacken in Strumpfhosen gesteckt, um eine verspielte Variante des Lagenlooks zu schaffen), oder transparente, gepunktete Kleider, die absichtlich zerknittert waren und einen Blick auf Unterwäsche darunter freiließen ( zerzaust war auch das Haar, das leicht zerzaust war, während runde Schildpattbrillen und Handtaschen, die in der Handbeuge getragen wurden, einen exzentrischen, buchstäblichen Touch verliehen. Ein Hauch von Verzierung kam durch Blumen, die auf transparente Strick-Cardigans und Röcke gestickt waren. „[In dieser Kollektion geht es darum], wie Mode und Modedesign die Wahrnehmung von Dingen, die wir zu wissen glauben, verändern können“, fügte Miuccia Prada hinzu. „Es ist eine Einladung zum Umdenken.“

Chanel H/W 2023

Die Kamelie ist ein beständiges Wahrzeichen von Chanel, eine Blume, die von der Gründerin des Hauses, Gabrielle „Coco“ Chanel, geliebt wurde, nachdem sie sich angeblich von einer Aufführung von Alexandre Dumas‘ „La Dame Aux Camélias“ inspirieren ließ (sie trug zunächst Seidenversionen der Blume, später dann auch). in ihren Entwürfen und in der Einrichtung ihres Zuhauses eine Rolle spielen). Eine vergrößerte Version der Blume – die mittlerweile ein dem Haus innewohnendes Gefühl von Einfachheit und Reinheit repräsentiert – erschien im Zentrum der Show für Virginie Viards neueste Prêt-à-porter-Kollektion im Grand Palais Ephémère (eine echte Version erschien auf den Plätzen der Teilnehmer). „Die Kamelie ist mehr als ein Thema, sie ist ein ewiger Code des Hauses“, sagte der Designer. „Ich finde es beruhigend und vertraut, ich mag seine Weichheit und seine Stärke.“ So schmückte die Kamelie mehrere Looks der Kollektion, ob sie in den Haus-Tweed eingewebt war und einen Mantel schmückte, als 3D-Verzierung über Handtaschen und Schneiderstücken blühte oder an die weißen Federbüschel erinnerte, die aus einem Strickpullover und einem Rock hervorragten. Viard sagte, die Kollektion habe ein Gefühl von Romantik, das hier nicht nur durch die Blumenmotive hervorgerufen werde, sondern auch durch die großzügigen asymmetrischen Schnitte von Mänteln und Kleidern, Volantröcken und Rosatönen, die in der zweiten Hälfte der Kollektion wiederkehrten. Maskulinere Elemente – breite Revers, verlängerte und übergroße Mäntel – bildeten einen Kontrapunkt. „Die verblassten Farben, das dunkle Rosa, die handgefertigten Stücke, die Akzente der 1960er und 70er Jahre, eine gewisse englische Atmosphäre, die bequemen, umhüllenden Mäntel, die authentischen Materialien machen die Kollektionen realer und auch charmanter“, sagte Viard.

Louis Vuitton H/W 2023

„Was ist französischer Stil?“ war die Frage, die Nicolas Ghesquière mit seiner neuesten Kollektion für Louis Vuitton stellte. Inszeniert in den vergoldeten Salons in den oberen Etagen des Musée d'Orsay – einem ehemaligen Bahnhof und Wahrzeichen der Beaux-Arts-Architektur – wurde der Raum durch ein äußerst zeitgenössisches Bühnenbild des französischen Künstlers Philippe Parreno in Zusammenarbeit mit dem Hollywood-Bühnenbildner James Chinlund unterbrochen ( Letzte Saison schufen sie eine riesige „Monsterblume“ für Ghesquières vorherige Show im Louvre. Hier waren auf ihrem mit Stacheln versehenen schwarzen Laufsteg – dessen Oberfläche an Pflastersteine ​​oder Kopfsteinpflaster erinnerte – eine Reihe von Lautsprechern aufgestellt, die im Verlauf der Show eine Reihe immersiver „Klangillusionen“ des Oscar-prämierten Komponisten Nicolas Becker erzeugten. Von hupenden Autohupen und klappernden Absätzen bis hin zu den Geräuschen von Flugzeugen am Himmel sollte es das Gefühl hervorrufen, sich auf einer Pariser Straße zu befinden – ein passender Rahmen für Ghesquières Erkundung der „unbeschreiblichen Anziehungskraft“ der französischen Kleiderordnung, die seiner Meinung nach „ paradox... Raffinesse mit der Miene eines Dilettanten. Tatsächlich fängt die Kollektion in Ghesquières typisch expansivem Stil die Unbekümmertheit und Eleganz des französischen Stils ein – weit geschnittene Schneiderkunst, kokonartige Mäntel, damenhafte Handtaschen und Handschuhe – und stellt ein Gefühl der Leichtigkeit mit außergewöhnlichen handwerklichen Meisterleistungen (insbesondere aufwendigen Perlenstickereien und Verzierungen) zusammen und Jacquards, die an die Traditionen der Pariser Haute Couture erinnerten). Ein Hauch von Futurismus, ein Markenzeichen von Ghesquières Werk, tauchte überall auf – wie eine leuchtende Brille (die an eine Schweißermaske erinnert) oder die skulpturale Form der Kleider der Kollektion. „Das Maison ist ein Schiff, das durch die Zeit segelt und von den Winden des Savoir-faire, der Technik, der Entdeckung und der künstlerischen Ideale geleitet wird“, heißt es in den Sammlungsnotizen. „Der französische Touch fasziniert immer wieder.“

Valentino H/W 2023

Pierpaolo Piccioli nannte seine neueste Kollektion „Valentino Black Tie“ – eine Auseinandersetzung mit der immerwährenden Kleiderordnung, so der italienische Designer. Sein Wunsch war es hier, es mit Strenge von Konnotationen zu befreien: „Eine Anweisung kann zu einer Einladung werden … Archetypen können neu erfunden werden, und eine Kraft im Vertrauten kann aus der Wiederentdeckung in einem neuen Kontext entstehen“, sagte er über die Sammlung Anmerkungen. Der Ausgangspunkt der Kollektion war seine Tochter im Teenageralter, die kürzlich Picciolis Kleiderschrank nach einem Anzug und einer Krawatte durchsucht hatte, die sie dann für einen Abend mit Freunden trug. Diese experimentierfreudige Stimmung prägte die Looks der Kollektion, die alle eine buchstäbliche schwarze oder weiße Krawatte trugen: ob mit einem klassischen geknöpften weißen Hemd, unter einem gestreiften Pullover oder über einem drapierten roten Kleid getragen. Wie immer war die vielseitige Kollektion – die sowohl Herren- als auch Damenmode umfasst – von dramatischen Verzierungen und handwerklichem Geschick geprägt, von den üblichen Federfedern (die eine Jacke schmücken oder aus einem Paar Militärstiefeln ragen) bis hin zu Ausschnitten, schimmernden Pailletten, oder die Tausenden von Kristallen, die gegen Ende der Show ein transparentes Kleid im Robe-Stil schmückten. „Signifikanten werden wieder angeeignet und in andere Kleidungsstücke verwandelt“, sagte das Haus. „Die Krawatte ist gelöst, entfesselt, gleitet zwischen der Formensprache der Kleidung, zwischen Tag und Abend.“

Akris H/W 2023

Akris setzte seine Feierlichkeiten zum 100-jährigen Firmenjubiläum mit einer Show mit dem Titel „A Century in Fashion Part II“ fort (letztes Jahr präsentierte die Marke im Palais de Tokyo den Eröffnungsteil mit einer Kollektion, die mit Archivdesigns durchsetzt war). Diesmal blickte Kreativdirektor Albert Kriemler auf ein prägendes Jahrzehnt, die 1970er Jahre, mit einer Kollektion, die den Befreiungsgeist dieser Ära einfangen wollte. „Ein unerwarteter Fund im Archiv, drei Schachteln mit Papiermustern aus den 1970er Jahren, ließ mich an die neue Sensibilität einer Frau für Bewegungs- und Entscheidungsfreiheit denken, um den zweiten Akt des 100-jährigen Jubiläums von Akris zu feiern“, sagte Kriemler in einer Erklärung. Er erinnerte sich insbesondere an das Jahr 1972, als sein Vater Max Kriemler die Herstellung der Schürzen, für die die Schweizer Marke ursprünglich bekannt war, einstellte und ein Atelier für Maßanzüge und Mäntel für Damen eröffnete. „[Er] brachte italienische Meister der Herrenmode und ihr Wissen über Double-Face zu uns.“ Er hatte das Gefühl, dass eine Veränderung nötig sei … [für] die Frau, die sich bewegt, eine Frau mit einer Stimme.“ Daher standen Schneiderkunst und Oberbekleidung im Mittelpunkt: ob ein Tweed-Mantel mit Raglanärmeln, ein zweireihiger Anzug mit schmaler Taille oder ein Anzug mit drei Knöpfen (letzterer aus goldenem Perlmutt-Wildleder) oder die Reihe daneben liegender Lammfellmäntel im 1970er-Jahre-Stil. Einen weiteren Bezug zur Epoche finden sich in den Drucken der Sammlung: Ein Blumenmotiv der Zürcher Seidenfirma Abraham aus dem Jahr 1976, das im Akris-Archiv gefunden wurde, wurde durchgehend überarbeitet.

Balenciaga H/W 2023

Nach dem Werbeskandal des Hauses im November 2022 sagte Kreativdirektor Demna, dass seine neueste Kollektion für Balenciaga ein Gefühl der Neuorientierung anstrebe – eine Rückkehr zu seiner eigenen lebenslangen Liebesaffäre mit der Herstellung von Kleidung (eine Notiz des Designers erinnerte daran, dass er sich von ihm eine Hose anpassen ließ). als Kind ein benachbarter Schneider; die Einladung zur Kollektion bestand aus einer Auswahl von Musterstücken, die zur Herstellung einer maßgeschneiderten Jacke verwendet wurden). Im Gegensatz zu der üblichen Theatralik, die seine Shows bisher umgab – in der letzten Saison gab es eine riesige Schlammgrube, durch die Models stapften – war der Raum im Einkaufszentrum Carrousel du Louvre in der neutralen Farbe von Toile gehalten, einem einfachen Twill-Stoff, der zur Herstellung eines... Musterstück. „Mode ist zu einer Art Unterhaltung geworden“, sagte der Designer. „Aber dieser Teil überschattet oft das Wesentliche, das in Formen und Volumina liegt.“ Daher griff die Kollektion auf Elemente auf, die Demna erstmals sowohl bei Vetements als auch bei Balenciaga bekannt machten: ausgefallene Schneiderkunst (hier hatte die übergroße Schneiderei Gürtelschlaufen am Saum, als wäre sie aus einer Hose geschnitten), verzogene Silhouetten (u. a Die Bikerjacke saß hoch und hing auf der Schulter; andere Teile sahen aus, als ob eine Brustplatte darunter getragen würde), und Elemente von Subversion und Kitsch (Jeans wirkten, als wäre ein weiteres Paar darüber genäht worden; hochhackige „enge“ Schuhe gaben nach die Models gingen auf Zehenspitzen). Es endete mit einer Reihe von Kleidern auf Couture-Niveau, reich verziert und mit betont abgerundeten Schultern. „In den letzten paar Monaten musste ich eine Zuflucht für meine Liebe zur Mode suchen und fand sie instinktiv im Prozess der Herstellung von Kleidung“, sagte er. „Es hat mich wieder einmal an seine erstaunliche Kraft erinnert, mich glücklich zu machen und mich wirklich zum Ausdruck zu bringen.“ Deshalb kann Mode für mich nicht mehr als Unterhaltung betrachtet werden, sondern vielmehr als die Kunst, Kleidung herzustellen.“

Lanvin H/W 2023

Bruno Sialelli sagte, seine neueste Kollektion sei eine Rückkehr zur „Freude am Schaffen, am Entdecken und Wiederentdecken“. Dies sprach in dieser Saison eine breitere Stimmung der Designer an, die Theatralik zugunsten von durchdachtem Design und Handwerk meiden; In den Sammlungsnotizen berief sich Sialelli als eine Art Erklärung auf die Worte des schwedisch-amerikanischen Bildhauers Claes Oldenburg. „Dinge machen, was für ein Spaß“, heißt es in einem Auszug aus Oldenburgs „Stillleben-Ausstellung“ von 2012. „Ein gewöhnliches graues Regal, das eine Wand des Studios einnimmt, lege mich in das Regal und lasse das durstige Auge entscheiden, jedes einzelne eine Beschreibung der Zutaten, die mich angezogen haben.“ Die Kollektion selbst war ein Spiegelbild von Siallelis eigenen Interessen, seinem „durstigen Auge“: Elemente, die von den 1940er und 1980er Jahren inspiriert waren, eine reiche Auswahl an Fertigungen (Samt, Devoré und Woll-Gazaar) und Momente der Verzierung, wie zarte Kristallblumen die träge, glamouröse Kleider schmückte. „Die Kollektion ist eine Wiederentdeckung französischer Eleganz und Überschwänglichkeit“, sagte das Haus. „Die wahre Seele von Lanvin.“

Alexander McQueen H/W 2023

Sarah Burton markierte ihre Rückkehr zur Paris Fashion Week mit einer ganzheitlichen Kollektion, die sich, wie die Designerin sagte, an der Idee der Anatomie orientierte – „menschliche Anatomie, die Anatomie der Kleidung, die Anatomie der Blumen“, die alle in der Geschichte der Mode verwurzelt sind die Marke und ständige Berührungspunkte für ihren Gründer Alexander McQueen. Es handelte sich um eine Erkundung der Schneiderkunst, eine Reihe gestochen scharfer Silhouetten, die dem klassischen schwarzen Anzug Elemente der Subversion verliehen: Naomi Campbell eröffnete die Show in einem korsettierten, maßgeschneiderten Overall aus schwarzer Barathea-Wolle (erstmals für Trauerkleidung für Männer entwickelt). - 19. Jahrhundert), Smokinghosen mit weitem Bein und integrierten Absätzen („Hosen mit Absätzen verlängern das Bein: der Bumster im umgekehrten Sinne“, sagte Burton), und ein ärmelloses Bustierkleid hatte einen zweireihigen Verschluss, der an eine erinnern sollte umgedrehte Anzugjacke. „Die Grundlagen der Mode, auf den Körper zugeschnitten und vom inneren Körper inspiriert … der Klassiker auf den Kopf gestellt, umgekrempelt und auf den Kopf gestellt“, erläuterte Burton. An anderer Stelle blickte der Designer auf die stimmungsvolle Form der Orchidee, deren Form Trenchcoats und Kleider schmückte und Inspiration für die dramatischen Silhouetten der aufwendig gerüschten und perlenbesetzten Kleider lieferte, die die Show abschlossen. „Das herausragendste Motiv in der Sammlung ist die Orchidee, die in ihren selteneren Formen kultiviert wird, aber nach dem Gänseblümchen die häufigste Blume ist“, sagte Burton. „Es gedeiht in der Luft, widersteht der Wurzelbildung und wächst in der Wildnis.“ Außergewöhnlich schön und unendlich anpassungsfähig, ahmt die Orchidee sowohl Raubtier als auch Beute nach. „In der Sprache der Blumen ist die Orchidee ein Symbol der Liebe.“

Ludovic de Saint Sernin sagte, dass seine Debütkollektion bei Ann Demeulemeester – der Marke, die ursprünglich 1985 von ihrem Namensvetter in Belgien gegründet wurde – eine Auseinandersetzung mit „Autorenschaft und Autobiografie“ sei, eine literarische Analogie, die der junge Designer auf das Aussehen der Kollektion ausdehnte. Jeder einzelne, sagte er, „war ein herzlicher Satz … idealerweise mit einer Feder oder einer Feder geschrieben: ein Detail, das Ann liebte.“ Tatsächlich tauchte die Feder im Eröffnungslook der Kollektion auf; Es war aus Leder gefertigt und diente gleichzeitig als schmales schwarzes BH-Oberteil, das über die Brust des Models reichte (eine weiße Version schloss die Show ab). Die Idee der Offenlegung wurde in Saint Sernins Arbeit bei seinem gleichnamigen Label untersucht – in seinen Kollektionen präsentiert er häufig Unterwäsche oder völlig durchsichtige Kleidungsstücke –, die hier mit Riffs aus Demeulemeesters Archiv verschmolzen werden, um eine reduzierte Interpretation der Marke voller „ Sinnlichkeit, Silhouette, Mehrdeutigkeit“. „Beim Schreiben eines Briefes geht es immer genauso um den Absender wie um den Empfänger.“ „Es ist eine Begegnung, ein Austausch“, sagte der Designer des erwarteten Debüts. „Es ist eine Einleitung, eine Einleitung und als solche eine Fortsetzung.“

Hermès H/W 2023

Nadège Vanhee-Cybulskis neueste Kollektion für Hermès war von Sinnlichkeit geprägt, bei der es ihrer Meinung nach darum ging, ein Gefühl der Wärme einzufangen – eine Stimmung, die im Ausstellungsraum widergespiegelt wird, der mit tiefem Orange ausgelegt ist und einen Cocooning-Effekt hat. Die Kollektion begann damit, dass die Designerin über Haare nachdachte (Vanhee-Cybulski hatte seit der letzten Saison ihre eigenen roten Locken zu einem Bob geschnitten), insbesondere über die Palette, die Rottöne („Amaranth, Falun und Feuer“), Kupfer und Braun umfasste , Gold und „blondes“ Beige. Oftmals machten diese Farben den gesamten Look aus – „umhüllende und warme, monochrome Silhouetten entfalten sich in ihren Wintertönen“, heißt es in den Kollektionsnotizen – bis hin zu den Accessoires, einschließlich der Overknee-Stiefel mit eckiger Spitze und Satin-Reitmützen, die immer wieder auftraten. Die Kollektion zeichnete sich durch eine reichhaltige Verschmelzung von Texturen aus: Lammfellmäntel wurden geschickt zugeschnitten, um den Eindruck von Pelz zu erwecken, wunderschöne Trenchcoats mit Gürtel wurden aus Alpakawolle gefertigt, während sanft schimmernde Lamé-Strickstoffe einen subtilen Glamour verliehen. Den Abschluss der Kollektion bildete eine Reihe plissierter Kleider – vielleicht das Highlight der Kollektion –, die elegant über Schultern und Ärmel drapierten. Das Ergebnis war eine Kollektion, die Vanhee-Cybulskis angeborenes Verständnis für die Intimität von Kleidung zum Ausdruck brachte – eine Beziehung, die der Beziehung, die man zu seinen Haaren hat, nicht unähnlich ist. „Von Schlüsselbändern bis hin zu Locken erwachen die Kleidungsstücke zum Leben, sie wippen und fließen mit der Geschmeidigkeit von Haarsträhnen.“

Andreas Kronthaler für Vivienne Westwood H/W 2023

Eine intime Präsentation im Salonstil – an der der enge Freundes-, Musen- und Familienkreis der Marke teilnahm – markierte die erste Show seit dem Tod von Vivienne Westwood im Dezember 2022. Die unnachahmliche Präsenz der Designerin war in allen Looks der Kollektion zu spüren, an denen Ehemann Andreas teilnahm Kronthaler greift auf Erinnerungen an ihr Leben zurück – insbesondere auf ihre Wurzeln im Norden Englands (Westwood wurde in Tintwistle in der Nähe von Derbyshire geboren; im Januar fand dort eine private Beerdigung statt). „Bei allem, was wir zeigen, habe ich an Sie und Ihre Herkunft gedacht“, sagte Kronthaler, der Kleidungsstücke präsentierte, die reich an Westwood-Ismen waren – weggeschnittenes Schottenkaro, Drucke und Brokat im Rokoko-Stil, Korsetts, Krinolinen, Tweed-Schneider und Petticoats in Kronthalers üblicher exzentrischer Mischung enthalten. Von letzterem sagte er: „Petticoat-Röcke waren dein absoluter Favorit … Ich habe einige für dich gemacht, alle unterschiedlich, so hübsch, so mädchenhaft, so wirklich weiblich.“ In einer emotionalen Geste modellierte Westwoods Enkelin Cora Corré den endgültigen Look der Kollektion: ein weißes Spitzenmieder, getragen von einem Paar winziger funkelnder Teufelshörner und einem typisch hohen Paar Plateaustiefel. „Du hast einmal zu mir gesagt, dass du alles wegnehmen kannst, lass mir nur meine Plateauschuhe, denn ohne sie geht es nicht“, sagte Kronthaler. „Vielleicht war das Wichtigste, was du mir je beigebracht hast, die Frau auf ein Podest zu stellen.“

Loewe H/W 2023

Jonathan Andersons neueste Show fand am östlichen Rand von Paris im Château De Vincennes statt, einer großen königlichen Residenz, die im 12. Jahrhundert ursprünglich als Festung erbaut wurde und dank ihrer befestigten Mauern als Zufluchtsort bekannt ist. Innerhalb dieser Mauern war im zentralen Innenhof eine riesige weiße Box errichtet worden, die als Ausstellungsfläche diente; Im Inneren befinden sich weitere Schachteln in verschiedenen Farben der italienischen Künstlerin Lara Favaretto, komprimierte Konfettiblöcke, die im gleichen Prozess wie das Stampfen von Trauben zur Herstellung von Wein entstanden sind. So war ihre Konstruktion, jedes hatte seinen eigenen Schutz – sollte man sie berühren, drohten sie völlig zu zerfallen.

Wenn nicht beabsichtigt, schien ein solcher Schauer – Aufbau versus Dekonstruktion, Perfektion und Zusammenbruch – eine passende Metapher für Andersons Werk zu sein, das seit langem an solchen Grenzen schwankt. Die jüngsten Sammlungen bei Loewe und JW Anderson zeigten einen Übergang vom Surrealismus zum Reduktionismus in dem Versuch, die Essenz seiner Arbeit in ihre reinste Form zu bringen; In dieser Saison, so sagte der Designer, setzte er diese Bewegung mit einer Kollektion fort, die „eine Idee der Elementarität einfing: ein Stück, und das war's, reduziert auf die schlichteste Form, die möglich ist“. Weiße Etuikleider – mit stumpfer Präzision geschnitten – wurden mit verschwommenen Erscheinungen anderer Kleidungsstücke aus früheren Saisons im Gerhard-Richter-Stil bedruckt („eine Erinnerung, die verblasst oder zurückkehrt“); Andere Stücke hatten einen Trompe-l'oeil-Effekt und wirkten zerknittert oder verzerrt (wie eine taillierte Strickjacke, bei der Anderson nach der Show enthüllte, dass es sich tatsächlich um einen Aufkleber handelte). Lebendige Einfachheit zeichnete andere aus: Ein puppenartiges, ausgestelltes Minikleid gab es aus geformtem Leder, klassische Pullover mit V-Ausschnitt und Strickjacken mit sanft geschwungenen Silhouetten, während andere Kleidungsstücke wirkten, als hätte der Träger ein Stück Stoff aufgenommen und am Körper festgehalten . „[Ich habe darüber nachgedacht], wie es in meiner Kindheit war, sich in eine Bettdecke einzuwickeln“, sagte er.

„Es geht um die Idee, die Realitäten zu betrachten – dass es im Raum wie eine Sache aussieht, wir dann online ein Publikum haben, das es anders sieht“, erklärte Anderson sein Streben nach visueller Klarheit. „Ich denke, es geht darum: Wie bekommt man Neuheiten, wenn man in den Laden geht?“ Es ist im Moment meine größte Obsession – wie macht man Kollektionen, die nicht für jetzt, sondern in sechs Monaten sind? Wie stärkt man eine Sprache, lässt sich aber nicht von einer Sprache, die man entwickelt hat, in die Falle locken?

Victoria Beckham H/W 2023

Auf der Einladung zu Victoria Beckhams zweiter Pariser Ausstellung, die erneut im Kreuzgang der Kirche Val-de-Grâce präsentiert wurde, war ein Foto der Schauspielerin Drew Barrymore in einem seidenen Kopftuch der Marke zu sehen. Der Look, sagte Beckham, sei eine zeitgenössische Neuinterpretation von Barrymores Rolle als Edith Bouvier Beale („Little Edie“) im Film Grey Gardens aus dem Jahr 2009, der auf dem gleichnamigen Dokumentarfilm von 1975 basiert – einer Erkundung des exzentrischen, zurückgezogenen Lebens von Bouvier Beale und ihre Mutter, zwei Verwandte von Jacqueline Kennedy Onassis. Die Referenz, sagte Beckham, habe einen nachhaltigen Einfluss auf ihre Arbeit gehabt; Hier sagte sie, es sei der „unvorhersehbare Glamour“ von Little Edie gewesen, der eine Kollektion inspiriert habe, die in einem neuen Eklektizismus der Marke verwurzelt sei, einem der „Dekonstruktion, Individualisierung und Subversion“. So zeigten die Eröffnungslooks Kleider mit einer collagierten Faltenanordnung, die mit Federn verziert waren (später tauchten dieselben Federn als gespenstisches Muster in einer letzten Serie von Looks wieder auf), während andere Kleider Elemente aus Kunsthaar aufwiesen, die aus ihnen herausragten Saumlinien – eine Anspielung, sagte Beckham, auf die brasilianische Künstlerin Solange Pessoa, die in ihren Arbeiten menschliches Haar verwendet. Die dekonstruierte Schneiderkunst hingegen wurde „roh und zerhackt“ und enthüllte den Prozess hinter ihrer Konstruktion, um einen „figurativen Ausdruck der handwerklichen Entwicklung der Marke“ zu schaffen. „Ich wollte wirklich die Kunst des Anziehens feiern und wie Kleidung wirklich transformativ ist“, sagte Beckham. „Die Art und Weise, wie [Grey Gardens] in der Sammlung interpretiert wurde, ist sehr durchdacht.“ Das Ergebnis ist ein eklektischer, eleganter und raffinierter Charakter, betrachtet durch die Linse einer modernen Victoria Beckham.“

Kiko Kostadinov H/W 2023

Ein typisch vielseitiger Ausflug der Schwestern Laura und Deanna Fanning begann mit einer Recherche über antike Unterwäsche – Unterhemden, Petticoats, Knickerbocker – die „verborgenen Schichten“, die Frauen unter historischen Gewändern und Mänteln Halt boten. Hier wurden diese Tropen mit dem Gespür der Fanning-Schwestern für ausgefallene Silhouetten und unerwartete Farbkombinationen (teilweise abgeleitet von Kiko Kostadinovs Arbeit in der Herrenmodeabteilung seines gleichnamigen Labels) zu einer Kollektion verschmolzen, die sie als „eine wahre Floriège des Unbekannten“ bezeichneten „sowohl zäh als auch zart“. T-Shirts im Henley-Stil – die an Unterwäsche erinnern – waren mit einem gewellten, geschichteten Saum geschnitten, der mit schmalen Rüschen besetzt war, während eine Fülle von plissiertem Tüll Röcken und Slip-Style-Kleidern Romantik verlieh und das schmückte, was das Duo „Ofenrohr-Schlaghosen“ nannte ' (Ihre geschichtete Form verlieh ihnen das Gefühl einer Cargohose). Accessoires sorgten für verspielten Schmuck: eine „Bowling-/Fahr-/Ballettschuh-Pastiche“ war eine Hommage an die Formel-1-Fahrerin Lella Lombardi, während die charakteristische Trivia-Tasche (ein wiederkehrendes Streetstyle-Basic) sowohl als größere Kettentasche als auch als Miniatur-Charm-Geldbörse neu interpretiert wurde – Dies stellt zweifellos die wachsende Schar treuer Anhänger der Marke zufrieden.

Issey Miyake H/W 2023

Ein kunstvoll gefaltetes Quadrat aus Papier lag auf jedem Sitzplatz im Théâtre du Châtelet, dem Schauplatz von Satoshi Kondos neuester Show für Issey Miyake. Die Geste war eine Anspielung auf die Wurzeln der Kollektion in der Form (der Titel lautete „The Square and Beyond“) und diente als Ausgangspunkt für eine typisch innovative Erkundung von Form und Silhouette. „Die Kollektion beschäftigt sich mit dieser rationalen Form und geht darüber hinaus, um Kleidungsstücke mit auffälligen, unkonventionellen Formen zu entwickeln“, erklärte die japanische Marke. So tauchten Kompositionen aus Quadraten als gedrucktes Motiv auf den asymmetrischen, unregelmäßigen Kleidungsstücken der Kollektion auf, während bei anderen Stücken das Quadrat in ihrer Konstruktion verwurzelt war, wie sich wiederholende Karos, die durch „absichtliche Schrumpfung“ gebildet wurden, wodurch ein erhabenes, dreieckiges Muster entstand. dimensionale Textur. „Fortschreiten, sich drehen und beugen, treffen, abbrechen, überspringen, wiederholen, ausdehnen, ausdehnen und ausruhen“, heißt es in einem begleitenden Text über die Experimente der Saison. „Formen und Farben, die von der Leinwand gelöst wurden, sprechen nun von grenzenloser Freiheit.“

Seit seiner Übernahme als künstlerischer Leiter von Schiaparelli im Jahr 2019 hat der amerikanische Designer Daniel Roseberry das historische Pariser Haus erfolgreich mit Haute-Couture-Kollektionen modernisiert, die Elsa Schiaparellis surrealistische Vorliebe mit zeitgenössischer Sinnlichkeit verbinden (sie haben ihm auch eine Phalanx hochkarätiger Promi-Fans beschert). ). Gestern Abend war der erste Prêt-à-porter-Ausflug des Designers für das Haus, „ein seit langem geplanter und entscheidender Schritt in unserer laufenden Wiederbelebung von Elsas Haus“, sagte Roseberry.

Scheinbar im umgekehrten Sinne wurde die Größe seiner letzten Couture-Schau gegen einen intimen Salon am Place Vendôme mit weniger als 200 Gästen eingetauscht (traditionell wird Haute Couture in einem so engmaschigen Rahmen gezeigt; Konfektionskleidung tendiert dazu). in größeren Räumen präsentiert werden). Es drückte den Wunsch aus, das mit dem historischen Haus verbundene Gefühl der Exklusivität zu bewahren; Tatsächlich würde die Konstruktion der verschiedenen Kleidungsstücke – die geschwungene Linie eines Mantelärmels, die Komplexität eines Stäbchenkorsetts, die goldenen Verzierungen surrealer Augen und Nasen – bei Roseberrys Haute-Couture-Ausflügen nicht fehl am Platz wirken (und bei angeblichen Preisen in …). (die hier mehrere Tausend Stück Konfektionsware sind keineswegs Mainstream). Nichtsdestotrotz bot es eine weitreichende Vision für das Haus, die Jeans, wattierte Jacken und vom Smoking inspirierte Schneiderkunst umfasste, alles mit der Andeutung des Exzesses der 1980er Jahre. „Ein Kleiderschrank, ja“, sagte Roseberry. „Aber eine Schiaparelli-Garderobe.“

In den letzten Saisons hat sich Rick Owens mit der „Weite und Größe“ Ägyptens beschäftigt, wo der amerikanische Designer jetzt seine Winter verbringt. „Es tröstet mich, die Bedeutungslosigkeit zeitgenössischer Unannehmlichkeiten an dieser Fülle an Geschichte zu messen“, sagt er über die Anziehungskraft und hat den Namen der Kollektion dieser Saison von der antiken Stadt Luxor übernommen. Es folgt auf die gleichnamige H/W 2023-Herrenkollektion der Marke, die Anfang des Jahres gezeigt wurde; Dann merkte Owens an, dass es „bitter“ sei, eine Kollektion zu kreieren, während der Krieg in der Ukraine andauerte, fügte jedoch hinzu, dass es in der Verantwortung der Mode liege, standhaft zu bleiben und angesichts der Krise ihr „düsteres Bestes“ zu geben. Die Damenkollektion hatte eine ähnliche Stimmung : „Zeiten wie diese erfordern möglicherweise eine respektvolle Formalität und Nüchternheit mit Momenten der Zartheit, die daran erinnern, was gefährdet und auf dem Spiel steht“, sagte der Designer und bemerkte, „wie inspirierend Würde angesichts von Aggression sein kann“. Daher hatte die Kollektion einen brutalen Glamour: Die Models ragten über den Besuchern auf einem Laufsteg aus Industriemetall auf, der sich durch einen der Innenflügel des Palais de Tokyo schlängelte (Plateauabsätze waren normalerweise schwindelerregend). Owens sagte, die Kleidung sei auf „die einfachsten Formen“ reduziert worden: bauchige Lederpolster, die sich um den Körper wickelten, Strickkleider, die bis über den Oberschenkel geschnitten und an den Ärmeln verlängert waren, oder skulpturale Pufferjacken, die mit rosa oder schwarzen Pailletten verziert waren ( ein anderes Kleid war mit Hunderten von baumelnden Pailletten bedeckt, die den Eindruck von Federn erweckten.

Der Soundtrack bestand aus einem neuen Lied des kanadischen Musikers Peaches, der zumindest im Geiste zu einer Art Muse für die Saison wurde. „Die anschauliche Sexualität in ihren intelligenten Texten über straffen, brutalen elektronischen Beats hat dazu beigetragen, dass eine Generation feministischer Sängerinnen genauso viel sexuelle Kontrolle genießen konnte, wie es traditionell ihre männlichen musikalischen Kollegen hatten“, sagte Owens. „Ihr kämpferischer Widerstand und ihre Wildheit sind ein Beispiel, das relevanter denn je ist.“

Matthew M. Williams verfeinerte seine Vision für Givenchy weiter mit einer Kollektion, die das gleiche Gefühl der Klarheit anstrebte, das er bei seiner letzten Herrenmodenschau im Januar eingefangen hatte (der optisch weiße Ausstellungsraum vermittelte ein ähnliches Gefühl der Neuorientierung). In dieser Show sprach Williams von einer „neuen Formalität“, die er auf Hubert de Givenchy zurückführte; Hier wandte sich der amerikanische Designer erneut dem Gründer des Hauses und seinen „Prinzipien der Eleganz“ zu. In der Praxis führte dies zu „Silhouetten aus der Vergangenheit, aber angepasst an die Gegenwart“: Eine taillierte, taillierte Jacke könnte beispielsweise zu einem verkürzten Kleid werden, Satinmäntel, die weit über die Schulter geschnitten sind, für eine übergroße Silhouette, elegant in voller Länge Kleider, die in zeitgenössischen Stoffen neu interpretiert wurden – von an der Vorderseite geschnittenem Leder mit rohen Kanten bis hin zu transparentem, den Körper umschmeichelndem Organza in elektrischen Rosa- und Grüntönen. Streetwear prägte die Kollektion weiterhin – ihr Einfluss, sagte Williams, sei Teil des „Dialogs zwischen Pariser Chic und amerikanischer Coolness“, den er in den letzten Saisons festgestellt habe – in eigenwilligen Lagen von Jogginghosen, abgewetzten Lederröcken und Kilts, einige davon verziert D-Ringe und Nieten. Es war wahrscheinlich Williams‘ bisher umfassendstes Damenmode-Angebot und umfasste das „Selbstvertrauen, den Komfort und die Selbstbestimmung“, die der Designer in dieser Saison einfangen wollte.

Gabriela Hearst sagte, ihre neueste Kollektion für Chloé sei von der italienischen Künstlerin Artemisia Gentileschi inspiriert worden, einer Barockmalerin, die im 17. Jahrhundert von der europäischen Gesellschaft beauftragt wurde (eine wegweisende Ausstellung der Werke der konventionswidrigen Künstlerin wurde im Oktober 2020 im Londoner Museum eröffnet). Nationalgallerie). „Ich werde Ihnen zeigen, was eine Frau tun kann“, wurde Gentileschi in den Kollektionsnotizen zitiert, ein Geist, der Hearsts Ausblick auf die Saison prägte und das „zwingende Bedürfnis nach Frauengeschichten“ berücksichtigte. Wie immer war dies mit den Sorgen des Designers um das Klima verwoben und argumentierte, dass eine Zunahme weiblicher Führungskräfte dem Bereich neue Innovation und Energie verleihen würde. Im Einklang mit der Muse der Saison bemerkte Hearst einen Renaissance-Einfluss bei den Silhouetten – eine Reihe von Tunika-Kleidern mit Glocken- oder ausgestellten Ärmeln und schmaler Taille, als ob sie von einem Oberteil gehalten würden – hier neu interpretiert in Schwarz und Weiß. dem Verweis eine zeitgemäße Klarheit verleihen. Im Einklang mit Hearsts Nachhaltigkeitsgedanken wurde durchgehend ein umweltfreundlicher Wollgaze verwendet – seine „ätherische Qualität ist ein subtiles Statement weiblicher Kraft“ –, während andere Stoffe von der Renaissance-Architektur inspiriert waren und die Handwerkskunst des Chloé-Ateliers hervorhoben, wie zum Beispiel daraus hergestellte Hosen ein kompliziertes Gitter aus Ledergeflechten oder degradierten schwarzen Satinrauten, die auf Wolle appliziert sind.

Acne Studios H/W 2023

Für seine neueste Acne Studios-Kollektion dachte Kreativdirektor Jonny Johansson an den Wald – allerdings im typisch eigenwilligen Stil der schwedischen Marke. Der von der Bühnenbildnerin Shona Heath gestaltete Ausstellungsraum weckte die Inspiration mit einem surrealen Wald aus Bäumen, die mit schimmernden Kristallen und einer seltsam blühenden Flora geschmückt waren (Johansson sagte, er habe sie beauftragt, einen Raum zu schaffen, der die Art und Weise einfängt, wie sich ein Wald „ständig verändert und wächst“. und transformieren‘). Die Kollektion selbst spiegelte die „brutale Magie“ des Waldes und seiner Überlieferungen wider, mit Elementen der Not oder des Verfalls (einige der Stücke hatten ausgefranste oder aufgeschnittene Nähte), gehäkelten Blumenverzierungen und einem wiederkehrenden Blattmotiv oder der erdigen Farbpalette. unterbrochen von „giftigem“ Gelb und Rosa, rostigem Orange und einem leuchtenden Blau, das an Heaths Set erinnert. „Bei dieser Kollektion habe ich an die dunklen Winter in Schweden gedacht, in denen es nur wenige Stunden Tageslicht gibt. „Ich wollte die Schönheit der Dunkelheit einfangen“, sagte Johansson. „Schweden ist ein Ort, an dem die Stadt abrupt endet und dann der Kiefernwald beginnt.“ Ich habe den Kontrast zwischen Stadtleben und Natur schon immer genossen, die Vorstellung, dass ein unendlicher Wald gleich um die Ecke ist. '

Paco Rabanne H/W 2023

Julien Dossena markierte seine Rückkehr in die Damenmode – zuvor hatte er sich entschieden, seine Kollektionen für Paco Rabanne während der Haute-Couture-Woche zu zeigen – mit einer Kollektion, die dem gleichnamigen Gründer des Hauses Tribut zollte, der im Februar dieses Jahres im Alter von 88 Jahren verstarb. Insbesondere Dossena blickte auf die Freundschaft zwischen Rabanne und Salvador Dalí – „zwei spanische Visionäre, die durch ihren radikalen Ausdruck verbunden sind … Welten, die zugleich magisch, mystisch und geheimnisvoll waren“. Daher enthielt die Sammlung eine Reihe von Werken des surrealistischen Künstlers (unter Beteiligung der Fundació Gala-Salvador Dalí), die hier auf ausgeschnittenen Kleidern gedruckt waren; aber auch Motive, die an seine Werke erinnern (wie ein aufgerissener Granatapfel oder ein goldenes Telefon), tauchen überall auf. An anderer Stelle präsentierte Dossena eine reiche Mischung aus Textur und Verzierung: sei es das haarige Wollfutter eines bodenlangen Mantels (das Aussehen erinnerte an Pelz), schimmerndes Lametta oder Leder, verschmolzen mit dem charakteristischen durchsichtigen Kettenhemd des Hauses. Die letzten fünf Looks waren Archivkreationen aus fünf Jahrzehnten von Paco Rabanne – ein Beweis, sagte Dossena, für das anhaltende Erbe des verstorbenen Designers. „Diese Kleider zeugen von der innovativen Handwerkskunst, die die zeitlosen und totemischen Frauen von Paco Rabanne immer ausmachen wird.“

Dries Van Noten H/W 2023

Die neueste Kollektion von Dries Van Noten wurde von den einfachsten Inspirationen inspiriert: „der Liebe zur Kleidung … den intimen, zärtlichen Momenten zwischen einem Kleidungsstück und seinem Träger.“ Es ist ein Ansatz, der seit langem das Gesamtwerk des belgischen Designers prägt, der weitgehend auf Theatralik verzichtet und stattdessen nach durchdachter Kleidung strebt, die so gestaltet ist, dass sie über Jahrzehnte hinweg in der Garderobe des Trägers bestehen bleibt. Obwohl nicht ohne Gesten von unverfrorener Schönheit – Van Noten arbeitet mit dem Blick eines Künstlers für Farbe, Form und Verzierung –, figurieren sie hier in einer Reihe eindrucksvoller Gegenüberstellungen: „Groß angelegte Gesten, gemischt mit einem Fokus auf die kleinen Details … das Kostbare und Erlesene mit.“ das Rohe und Unraffinierte“, wie es in den Sammlungsnotizen beschrieben wird. So herrschte eine verblasste Pracht in den Schichten gewaschener Seide, Patchwork-Brokat oder den rohen und offenen Nähten (ein geblümter Rock und ein Kleid mit herabhängenden Fäden wirkten, als würde man einen Wandteppich von der Unterseite betrachten), ein Kontrast zur trägen Einfachheit von die Silhouette. „Die Freude an Stoffen und das Leben, das sie im Laufe der Jahre annehmen, wenn sie geschätzt, verwendet, repariert und ihnen für heute eine neue Bedeutung gegeben werden“, sagte das Haus.

The Row H/W 2023

Die durchdachte Eleganz von Mary-Kate und Ashley Olsens „The Row“ erstreckte sich bis zu den Erfrischungen vor der Show: Teller mit zerbrochener dunkler Schokolade und Stapel von Birnen, jede mit einem Tropfen rotem Wachs auf dem Stiel. Die Kollektion selbst – präsentiert in einem weitgehend schmucklosen Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert in der Rue des Capucines – demonstrierte weiterhin die Vision der Designer von diskretem Luxus, die hier in Silhouetten zum Ausdruck kommt, die den Körper umhüllen (schal- und ponchoartige Verzierungen tauchten wieder auf; Mäntel waren es auch). geschlossen in der Hand gehalten; die Schneiderei wurde mit großzügigen Proportionen geschnitten). Ein Hauch von Glamour kam in umhüllten, schulterfreien schwarzen Kleidern und ledernen Opernhandschuhen zum Ausdruck, während kurze Farbtupfer in Rot und Orange die ansonsten zurückhaltende Farbpalette unterbrachen.

Courrèges H/W 2023

Nicolas Di Felice, Kreativdirektor von Courrèges, sagte, seine neueste Kollektion sei „aus der geschwungenen Haltung eines über einem Bildschirm verborgenen Körpers entstanden“. Tatsächlich lief in einem mittlerweile viralen Moment der Show – die in einer optisch weißen, von Nebel bedeckten und hell erleuchteten Box stattfand – das erste Model über den Laufsteg, während es auf einem iPhone scrollte. Die gebeugte Geste prägte laut Di Felice die geschwungene Silhouette der Kollektion, wobei die Kleidungsstücke „ihr Volumen nach außen projizierten, um den Körper vor der Außenwelt abzuschirmen“ (daher waren weite Lederjacken und Oberbekleidung an der Schulter weit geschnitten, wodurch ihr Gewicht kippte). leicht nach vorne gerichtet, als ob man sich über ein Telefon beugen würde). Untermalt von einer körperlosen Stimme, die immer wieder „Ist der Himmel blau?“ wiederholte, hatte die Kollektion einen Hauch futuristischen Rituals in klösterlichen Kapuzenpullovern, die den Körper verhüllten, und einer Reihe langgestreckter Säulengewänder, die mit riesigem runden Schmuck darunter getragen wurden. „Eine Zeremonie des Lichts und der Erleuchtung … die den Weg zum Anderen in uns selbst erhellt“, heißt es in den Begleitnotizen. „Durch die Dunkelheit, durch Rauch und Spiegel sehe ich dich.“

Saint Laurent H/W 2023

Von 1975 bis 2001 zeigte Yves Saint Laurent seine Haute-Couture-Kollektionen auf einem erhöhten Laufsteg im vergoldeten Ballsaal des Intercontinental Hotels in Paris; Gestern Abend hat der derzeitige Kreativdirektor des Hauses, Anthony Vaccarello, den Raum nachgebaut, allerdings in einem riesigen, konstruierten Ausstellungsraum am Trocadéro. „Um die Referenz neu relevant zu machen, hat Vaccarello Symbole der opulenten Zeit – markante Kronleuchter aus Bronze und ein einzigartig geformter Laufsteg – übernommen und sie in eine radikal zeitgenössische Black-Box-Umgebung eingefügt“, sagte das Haus. Es lieferte eine treffende Metapher für Vaccarellos Amtszeit im Haus, das sich dadurch auszeichnet, dass er Elemente aus dem Archiv von Yves Saint Laurent aufgreift und sie in seinem eigenen, stark zeitgenössischen Stil neu interpretiert. In dieser Saison wollte Vaccarello statt eines bestimmten Inspirationspunkts stattdessen weiter das verfeinern, was er „die Essenz des klassischen Saint-Laurent-Stils … eine kraftvolle Mischung aus Präzision, Emotion und Zurückhaltung“ nannte.

Es sorgte für einen strengen Schnitt und eine strenge Silhouette – der Nadelstreifenrockanzug am Anfang hatte enorme Schulterpolster für eine dramatische Form, die sich durchweg wiederholte („Alles beginnt mit dieser Geste“) – kombiniert mit glamourösen Akzenten, die an eine weite Decke erinnerten Schals, Schluppenkragen und schwere goldene Armreifen und Manschetten. Ein Gefühl der „Emotion“, sagte Vaccarello, sei in einer „Auflösung der geschlechtsspezifischen Exklusivität“ entstanden, indem er archetypisch männliche Kleidungsstücke (den maßgeschneiderten Blazer, das Tanktop, die Lederbomberjacke) in die Garderobe seiner Frau integrierte und gleichzeitig Nadelstreifen und Schottenmuster verwendete und Glenchecks erhielten „dank einer auffallenden Leichtigkeit eine zeitlose Weiblichkeit“. Wie es für Vaccarellos Arbeit typisch ist, war die Sammlung von einem Gefühl der Sinnlichkeit durchdrungen; Tief ausgeschnittene Tanktops, transparente Strümpfe und Chiffonschichten erforschten Ideen des Verbergens und Entblößens. „Die Saint-Laurent-Frau entblößt ihren Körper, wenn sie es wünscht, und verbirgt ihn, wenn ihr danach ist“, sagte das Haus.

Dior H/W 2023

Maria Grazia Chiuri zauberte für ihre neueste Dior-Kollektion eine Stimmung der Weiblichkeit, die von einem riesigen kaleidoskopischen Kunstwerk der portugiesischen Künstlerin Joana Vasconcelos untermalt wurde (das karnevaleske Werk bestand aus Spitze, Stickerei und Häkelarbeit und wurde von Blumen im Dior-Archiv inspiriert; es geht weiter). Tradition, dass Grazia Chiuri bei ihren Showsets mit Künstlerinnen zusammenarbeitet). „Eine Neuinterpretation der 1950er Jahre“, beschrieb das Haus die Sammlung selbst, die damit begann, dass Grazia Chiuri auf Entwürfe des Hauses aus der Mitte des Jahrhunderts zurückblickte; Sie konzentrierte sich insbesondere auf drei Frauen, die zum Archetyp des französischen Stils geworden sind: Catherine Dior (Schwester des Hausgründers Christian Dior und angebliche Inspiration für den dauerhaften Duft „Miss Dior“), Édith Piaf und Juliette Gréco. Sie bemerkte, dass jede von ihnen die weibliche Kleidung auf ihre eigene Weise unterwanderte; In der Kollektion zeigte sich dies in damenhaften Silhouetten – taillierte Kleider, ausgestellte wadenlange Röcke und Blusen – befreit von der Enge und erfüllt von neuer Leichtigkeit (ein Gefühl von sanfter Zerzaustheit kam in knitterigen und melierten Ausführungen auf). Auch die Blume tauchte immer wieder auf, inspiriert von Catherine Dior – die nach ihrer Zeit als Widerstandskämpferin in Frankreich während des Zweiten Weltkriegs Blumen verkaufte und handelte – hier neu interpretiert in verschwommenen Blumendrucken und zarten Stickereien. „Zugleich stark und zerbrechlich“, beschrieb das Haus. „Diese Dior-Kollektion ist das Markenzeichen einer Weiblichkeit, die gegen den Strom geht.“

Seien Sie gespannt auf mehr von der Paris Fashion Week H/W 2023.

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Jack Moss ist Fashion Features Editor bei Wallpaper*. Nachdem er zuvor Rollen bei den Magazinen 10, 10 Men und AnOther innehatte, trat er 2022 dem Team bei. Seine Arbeit konzentriert sich insbesondere auf die Momente, in denen Mode und Stil mit anderen kreativen Disziplinen – darunter Kunst und Design – überschneiden, und setzt sich für a ein neue Generation internationaler Talente und die Profilierung der führenden Persönlichkeiten und Marken der Branche.

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